Al principio de la película animada “Los niños van a Júpiter”, que se estrena en el Festival de Tribeca de este año, comienza un ritmo electrónico indie. Como un video musical renderizado en Kid Pix, la secuencia que sigue muestra a Rozebud (con la voz de la cantante Miya Folick) cuidando árboles de cítricos de neón mientras canta una melodía. tan pegadizo como etéreo. La película, del artista Julian Glander, pertenece a un subconjunto de películas de Tribeca que utilizan la música de formas sorprendentes y aventureras. Sus paisajes sonoros evocan visión y sentimiento, así como esa cosa inefable a veces llamada vibra.
Desde el miércoles hasta el 16 de junio, el Festival de Tribeca (eliminó “película” de su nombre en 2021) tiene una gran vibra, para bien o para mal. Se trata de un evento que abraza la realidad virtual, la inteligencia artificial y las instalaciones inmersivas, que combina sus proyecciones con conciertos y sus conciertos con imágenes, que promociona paneles amigables con palabras de moda sobre marcas, innovación o innovación de marca. Tribeca, que se extiende por el centro de Manhattan y un poco hacia Williamsburg, favorece la abundancia multimedia, lo que puede hacer que a los fanáticos del cine (y a los críticos) les resulte fácil perderse los árboles más hermosos por la gran extensión del bosque.
Mi selección favorita de Tribeca también se encuentra entre mis mejores películas del año hasta ahora: Natan PlataEs inquieto y afinado “Entre los templos”, una sensacional comedia de amor judía sobre un cantor desanimado (Jason Schwartzman) y su estudiante adulta de bat mitzvah (Carol Kane). Lo vi en Sundance y siento el deber sagrado de difundirlo. Pero dedico principalmente mi tiempo en Tribeca a probar estrenos mundiales: películas que no se han proyectado en otros festivales y necesitan un empujón para destacar.
En mi búsqueda de gemas, a menudo tengo suerte en la sección Viewpoints, diseñada para albergar películas que traspasan los límites de la forma y la perspectiva. Fue allí donde entré en contacto con la sobrenatural “Boys Go to Júpiter”, una película destacada y memorable, y no sólo por el gusano de Rozebud. Siguiendo a un elenco de holgazanes y chiflados en los suburbios de Florida, la comedia musical estilo videojuego combina gráficos gomosos en 3D y humor de drogadicto con comentarios astutos sobre la cultura del ajetreo y la economía del trabajo informal. El conjunto de avatares tiene la voz de un cuerpo de élite de comediantes extravagantes como Cole Escola y Julio Torres.
La película de Glander encajaría muy bien con “Eternal Playground”, un drama parisino que sigue a Gaspard (Andranic Manet), un profesor de música de secundaria. Rodada en suntuosos 16 mm, esta obra de amor de los cineastas Pablo Cotten y Joseph Rozé se estrena justo antes de que suene la campana de las vacaciones de verano, aunque Gaspard no abandonará el recinto: él y cinco amigos de la infancia han decidido acampar en secreto en la escuela vacía mientras terminan las clases de verano. Una carta de amor con inflexión de la Nueva Ola francesa al patio de la escuela, “Eternal Playground” acompaña al equipo mientras cantan, juegan, recuerdan y recuerdan a un amigo fallecido.
Entre los documentales de Tribeca de este año, domina la música y su industria, lo cual no es una sorpresa dado que las brillantes biografías de músicos (junto con los crímenes reales) han estado obstruyendo el panorama de la no ficción durante algún tiempo. Mi documental musical favorito de Tribeca era un asunto casero: “New Wave” de Elizabeth Ai, un suave grito de película sobre la cultura y el estilo de la diáspora vietnamita de los años 80. Enmarcada como un discurso a la hija pequeña de Ai, la película utiliza el fenómeno de la música eurodisco, conocido como New Wave, para explorar la educación de Ai entre refugiados vietnamitas y su largo distanciamiento de su madre, que dirigía salones de manicura para mantener a sus familiares.
Lo que me lleva a otro tema en Tribeca este año: la crianza de los hijos. Ese hilo corre justo debajo de la capa superior del suelo de «La hierba recién cortada”, un drama naturalista que sigue las historias paralelas de Natalia (Marina de Tavira) y Pablo (Joaquín Furriel), académicos de mediana edad que buscan un respiro de sus vidas familiares a través de aventuras con sus estudiantes. Al reflejar los cuentos, a veces incluso con las mismas líneas de diálogo, la directora argentina Celina Murga subraya los puntos en los que los casos de Natalia y Pablo divergen debido a diferencias sutiles en los roles de género y la dinámica de la diferencia de edad.
“Sacramento”, dirigida por el actor Michael Angarano, toma las ansiedades de la paternidad primeriza como premisa para una comedia tonta de amigos. La película sigue a Rickey (Angarano), quien convence a su amigo Glenn (Michael Cera), futuro padre, para que se vaya de viaje. Tenga en cuenta: hay una secuencia extendida de lucha de MMA repleta de patadas en la ingle. Lo que hace que la película sea interesante, sin embargo, no es su payaso masculino, sino el crédito que otorga a las mujeres que actúan como sus guardianas emocionales, como la esposa embarazada de Glenn, Rosie (Kristen Stewart), y la divertida ex de Rickey, Tallie (Maya Erskine, la verdadera novia de Angarano). -compañero de vida con quien comparte un hijo).
Las películas sobre la maternidad y sus descontentos han aumentado a raíz del aislamiento pandémico, especialmente aquellas que apuntan al mito de la madre perfecta al mostrar cómo tener hijos y criarlos, antes considerados vacas sagradas, en realidad pueden parecer una tortura. Con demasiada frecuencia, esa tortura se transmite a través de escenarios de terror concretos, exprimiendo sangre de la ginecología o sobresaltos del insomnio posparto. A pesar de su título anodino, el incisivo “brujas” no sólo evita esa tendencia, sino que en realidad la invierte: en lugar de sublimar el lado oscuro de la maternidad en tropos de género, la película descubre cómo una de las figuras más confiables del terror, la bruja, surgió de una desconfianza centenaria hacia las madres con problemas.
Utilizando fragmentos de películas y narraciones, Sankey comienza con un estudio de la bruja como símbolo en la ficción moderna. Luego centra el retrato contando su experiencia de depresión y ansiedad posparto, que culminó con una estancia en un centro psiquiátrico para madres primerizas y bebés. Sankey pide a sus pares y profesionales que agreguen sus historias de dolor y estigma internalizado, y finalmente une el panorama trazando una línea entre sus luchas y las de las víctimas femeninas – “brujas” – que alguna vez fueron quemadas en la hoguera.
Un testimonio íntimo con una fuerte vena pedagógica, “Brujas” sirve como un útil recordatorio de que la disección de imágenes cotidianas puede exponer verdades sorprendentes. Al final del documental, Sankey retira la cámara para revelar el estudio de sonido donde realizó sus entrevistas. Los escenarios dramáticos que antes servían sólo como telones de fondo borrosos (una guardería en decadencia, un taller de brujas demasiado grande) se muestran con intrincados detalles. Es entonces cuando te das cuenta de que, incluso estando fuera de foco, el cambiante paisaje estaba provocando algo importante: una vibra.
