Una perogrullada del Festival de Cine de Cannes es que no importa cuán alarmantes sean las noticias sobre el mundo cinematográfico estadounidense, Hollywood (como quiera que se entienda esa palabra) mantiene un poderoso control sobre este evento. Cannes es un asunto completamente francés, pero su amor por cine americano es evidente en todas partes, desde las imágenes descoloridas de las estrellas de Hollywood que se encuentran esparcidas por el lugar hasta los premios honoríficos que otorga el evento. El sábado entregará una Palma de Oro honorífica a George Lucas, el undécimo estadounidense en recibir un premio que se ha otorgado sólo 22 veces.
Dado el largo dominio de los Estados Unidos en el mercado cinematográfico internacional, no sorprende que el país ocupe un lugar preponderante aquí. Vale la pena señalar que la aventura de Disney “El reino del planeta de los simios” fue número uno en taquilla en Francia y en gran parte del resto del mundo cuando se inauguró Cannes la semana pasada; sigue siendo. Dicho esto, el peso que el cine americano mantiene en este festival va más allá de la cuota de mercado. Los estadounidenses también han ganado más premios principales en Cannes que los cineastas de Gran Bretaña, Italia o Francia. Este hecho me recuerda el momento en “Kings of the Road”, la road movie de Wim Wenders de 1976, cuando un personaje dice: “Los yanquis han colonizado nuestro subconsciente”.
Siempre hay películas de todo el mundo aquí, por supuesto, pero las selecciones que a menudo generan la charla más ruidosa son las de Estados Unidos o las adyacentes a Hollywood. Tres de estos títulos de este año son una troika en busca de calor que involucra a notables estadounidenses que, después de un período de relativa tranquilidad interna, han regresado llamativamente al escenario internacional. Kevin Costner está aquí con “Horizonte: una saga americana«, un western holgado que es el primer capítulo de una serie de varias partes, y Francis Ford Coppola tiene una nueva epopeya, «Megalópolis.” Luego está Demi Moore, quien está siendo elogiada por su atrevido papel protagónico en “The Substance”, una película de terror en inglés de la directora francesa Coralie Fargeat.
Una fantasía asquerosa que sugiere que Fargeat ha visto su parte de películas de David Cronenberg. «La substancia» se centra en una bella actriz, Elisabeth Sparkle (Moore), que tiene lo que a menudo se llama irritantemente cierta edad. Cuando se cancela su programa de televisión, la actriz hace lo que se podría predecir dada la apariencia y el tono exagerados de la película: se desespera ante lo que ve en el espejo y busca una solución escandalosa. Este resulta ser el tratamiento misterioso del título, que le permite generar (dar a luz) efectivamente una versión más joven de sí misma. Esta Demi 2.0, por así decirlo, está interpretada por Margaret Qualley, quien, como Moore, lo desnuda todo en una película de 140 minutos que es tan ingenua como inflada.
Simpatizo (¡personalmente!) con los puntos sobre las mujeres, la belleza y la edad que Fargeat parece estar tratando de exponer. Sin embargo, la película nunca va más allá de lo obvio, y todo pronto se vuelve tremendamente repetitivo a pesar de sus dos vigorosas actuaciones principales, todas las tomas llamativas de Qualley moviendo su trasero como un pistón y los grandes tsunamis de sangre. Mucho más exitoso tanto en términos feministas como cinematográficos es “Añora”, la vertiginosa y obscena picaresca de Sean Baker sobre una trabajadora sexual de Brooklyn, Ani (Mikey Madison), quien, más o menos impulsivamente, se casa con el hijo absurdamente juvenil de un oligarca ruso.
“Anora” se ha convertido en una de las favoritas de la crítica, pero la crítica no le otorga el premio mayor, la Palma de Oro. Esa tarea corresponde a jurado principal de la competencia, que este año incluye a tres cineastas: la presidenta del jurado, Greta Gerwig, la guionista turca Ebru Ceylan y la directora libanesa Nadine Labaki. Me encantaría escucharlos hablar sobre «Anora». También me pregunto cómo abordará esto la Motion Picture Association, que proporciona las calificaciones para la mayoría de las películas estrenadas en los Estados Unidos. “Anora” no es explícita, pero cuando se estrene la película de Baker (a través de Neon en los Estados Unidos), su actitud humorística y sin prejuicios hacia su tema, simbolizada por una toma temprana de traseros femeninos rebotando, continuará inspirando aplausos junto con algunos tsk. -tsk artículos de opinión y calificaciones que se lamentan.
Ha habido otras delicias, saltarinas o no, y luego está lo último de Yorgos Lanthimos”,Tipos de bondad.Una vez más, ha unido fuerzas con Emma Stone (anteriormente se unieron en “The Favourite” y “Poor Things”) para explorar la dinámica amo-esclavo. Menos ambiciosa visual y narrativamente que su trabajo reciente, “Kindness” consta de tres historias vagamente conectadas en las que los mismos actores (incluido un invaluable Jesse Plemons) interpretan diferentes personajes que enfrentan extremos. En un cuento, un hombre lucha por liberarse de su amo; en otro, una mujer trabaja duro para complacer a los suyos. A aquellos que encuentran divertidas las elaboradas excentricidades y la cursi crueldad de Lanthimos probablemente también les gustará esta película.
Preferí mucho leer lo último de Cronenberg: “Los sudarios”, donde al menos hay algunas ideas para acompañar el ick. Un Vincent Cassel apisonado –con su cabello gris sugestivamente peinado como el de Cronenberg– interpreta a un propietario de un cementerio viudo que ha desarrollado una tecnología de vigilancia que permite a los dolientes observar, a través de pantallas de video adheridas a las lápidas, la podredumbre de sus seres queridos en sus tumbas. Más intelectualmente provocativa que totalmente satisfactoria, la película ofrece mucho que contemplar en medio de su noticias, incluida la visión característicamente perversa de Cronenberg sobre la vida, la muerte y el deseo. “Comparte recuerdos, comparte vida”, decía un antiguo eslogan de Kodak. No tan rápido, dice Cronenberg.
En otra selección adyacente a Estados Unidos en la competición principal, “El aprendiz”, el director danés Ali Abbasi dramatiza la relación entre el joven Donald J. Trump (un Sebastian Stan casi irreconocible) y su mentor, el abogado Roy Cohn (un gran Jeremy Strong), con risas ácidas, pinceladas generales y dos pistas de juego. . Cohn resulta asqueroso, pero también lo son algunas imágenes de cirugías que revuelven el estómago, incluido un procedimiento para la pérdida de cabello con una incisión en forma de vulva. Trump ha llamado a la película “difamación maliciosa”y ha amenazado con demandar; hasta la fecha no tiene distribución americana. (El documental de temática similar “¿Dónde está mi Roy Cohn?” disponible para ver en los Estados Unidos.)
Para “Emilia Pérez”, el director francés Jacques Audiard ha contratado a dos intérpretes estadounidenses, Zoe Saldaña y Selena Gomez, para un musical sobre un jefe de un cartel mexicano que quiere hacer la transición a una mujer y a una mejor persona. Gómez (como su esposa) y especialmente Saldaña (su abogado) divierten en una película que salta sin encajar en un ritmo coherente. Audiard, como decía un amigo mío, quiere creer en la capacidad de las personas para transformarse. Vale, está bien, pero el poder de la película reside en gran medida en la actriz trans española Karla Sofía Gascón, quien deja al descubierto la contradicción entre los deseos de su personaje y su pasado violento.
Uno de los placeres de “Emilia Pérez” es que Audiard no está simplemente jugando con el género, sino que también está poniendo a prueba los límites de la simpatía de los personajes, así como los cambios de tono y estado de ánimo. Nunca se sabe adónde va ni por qué “Emilia Pérez”, como ocurre con “Megalópolis” y con la igualmente inclasificable “Caught by the Tides”, del cineasta chino Jia Zhangke (“Un toque de pecado”). No pude encontrar un gancho narrativo durante la hora inicial de esa película, que presenta en gran medida imágenes documentales de personas comunes y corrientes que viven sus vidas. Sin embargo, en lugar de preocuparme por lo que estaba haciendo Jia, simplemente me dejé llevar por el flujo visual, dejando que las imágenes me invadieran.
Sin embargo, desde el principio, también aproveché algunas escenas ficticias que involucraban a una mujer, Qiaoqiao (Zhao Tao), y su irresponsable amante, Bin (Zhubin Li). Al principio, estas secciones parecían relativamente desconectadas de las imágenes de no ficción. Sin embargo, a medida que avanzaba la película, estos dramáticos fragmentos comenzaron a cohesionarse cada vez más en un todo orgánico, muy parecido a las piezas de un rompecabezas. Y a medida que estos fragmentos de ficción se fueron juntando, también comenzaron a iluminar las imágenes del documental al crear vínculos entre la historia de una mujer y la de un pueblo que, como muestra tiernamente Jia, ha sacrificado mucho por su país. Los resultados son profundamente conmovedores en una película que en su forma, contenido y sinceridad parece estar a mundos de Hollywood.
