Al doblar el tiempo y apoyarse en una narración no lineal, “Nickel Boys” se une a una tendencia reciente de cineastas negros contemporáneos que renuncian al impulso de encuadrar las historias negras cronológicamente.
Adaptada de la novela ganadora del premio Pulitzer de Colson Whitehead, «The Nickel Boys», la película de RaMell Ross cuenta la historia de Elwood (Ethan Herisse), un niño negro idealista enviado injustamente a un reformatorio abusivo de Florida llamado Nickel Academy (basado en la historia real). vida Escuela para niños Arthur G. Dozier). La película está filmada principalmente desde puntos de vista en primera persona, pero su mirada atrevida no es su único gran impacto. Se trata de una obra inventiva y no lineal cuya historia emplea intuitivamente imágenes fijas y metraje de archivo para saltar del movimiento por los derechos civiles de los años 60 a los años 2000.
Esta disrupción cinematográfica no sólo está presente en “Nickel Boys”. También se puede observar en películas como «Mil y uno» “Todos los caminos de tierra saben a sal” y «Tiempo,» Incalculables estudios sobre la vida de los negros que se sienten inextricablemente vinculados a la larga duración de la pandemia y al tumulto de Black Lives Matter. La aparición de estas películas de aventuras significa una revolución temporal imperativa en el cine negro.
En “Nickel Boys”, somos testigos de la estrecha pero complicada amistad de Elwood con Turner (Brandon Wilson), un adolescente desilusionado muy consciente de la salvaje destrucción de los cuerpos y las mentes de los negros por parte de Nickel Academy. En el primer tercio de la película, filmada desde la perspectiva de Elwood, sentimos la calidez de los abrazos de su abuela, Hattie (Aunjanue Ellis-Taylor), vemos cómo los otros niños de Nickel lo evalúan y escuchan el zumbido del ventilador industrial que significa fatalidad para el reformatorio. La inmersión en el punto de vista de Elwood obliga a todos los espectadores a ocupar una mirada negra y a los espectadores negros a tener en cuenta una angustia compartimentada.
Más tarde, Ross vuelve a perturbar a los espectadores al cambiar de punto de vista durante una escena ambientada en una cafetería. En la primera parte de la secuencia, vista desde la perspectiva de Elwood, Turner se sorprende por la pasión con la que Elwood devora la comida de la cafetería. Luego, Ross pasa a una escena invertida en un vagón de carga donde las estaciones parecen retroceder. Ross y su director de fotografía, Jomo Fray, luego cambian audazmente al punto de vista de Turner y reproducen la escena a través de sus ojos. Ese cambio de perspectiva resulta vital para el sentido del tiempo de la película al abrir la posibilidad de que nuestra experiencia de estas vidas negras, ya sea visual o temporalmente, sea inestable y necesite reparación.
Similar al documental de Ross. «El condado de Hale esta mañana, esta noche» que mezcló las imágenes y los sonidos de una comunidad negra del sur en una mezcla que cambia el tiempo y que evadió la categorización narrativa fácil, el uso intensivo de montaje en esta película, una edición que deforma la narrativa técnica, demuestra la capacidad del tiempo para registrar y replantear la vida negra.
En un revelador montaje al final de la película, Ross describe la vida de Elwood a través de escenas invertidas, fotografías de identificaciones gubernamentales, fotografías familiares y fotografías de los rostros negros olvidados de Nickel. Un giro durante la escena, relacionado con la identidad de un personaje, ilustra las limitaciones de la subjetividad y lo efímero utilizado para definir la biografía de una persona. La película crea una sorprendente paradoja al vivir simultáneamente un trauma pasado y presente.
La aplicación del tiempo en “Nickel Boys” se inspira en el ritmo cinético de la vida negra, un tempo intrínseco que inspiró el espíritu del jazz, dio origen al Renacimiento de Harlem y dio origen al Movimiento de las Artes Negras. La película va en contra de la narración lineal de las “películas de carreras”, la blaxploitation o Nuevo cine negromovimientos cinematográficos que afrontaron los problemas sociales del momento y recordaron los brutales crímenes del pasado.
El enfoque de Ross sobre el tiempo también tiene sus raíces en su ensayo de 2019 de Película trimestral“Renovar el Encuentro”. En él, escribió: “El tiempo se convierte en el nuevo medio, un reloj que mide el largo acento macro de un gesto racial excluido”. El tiempo le otorga a Ross un lienzo para pintar la vida de los negros a través de recuerdos evocadores cuya ubicación temporal dispersa desafía una fácil definición, inspirando a los espectadores a desarrollar un significado personal a partir de estas imágenes recientemente contextualizadas.
Pero la flexión y fractura de años y segundos de Ross no es del todo nueva en el cine negro. El afrofuturismo durante la década de 1970 se estableció como una fuerza desestabilizadora que continúa hoy. Y en Los Ángeles, los cineastas negros de LA Rebellion también lidiaron con la presión del tiempo sobre la vida negra. Las viñetas llenas de tensión de “Killer of Sheep” (1978) de Charles Burnett, las imágenes oníricas y la narración no lineal de la narrativa de Gullah de Julie Dash “Daughters of the Dust” (1991) y el retorcido lapso de varias décadas de un hombre oyente y un sordo. El amor de mujer en “Compensación” (1999) de Zeinabu Irene Davis rompió con los modos tradicionales de narración.
Si bien los realizadores de LA Rebellion tuvieron un éxito más amplio y limitado – “Killer of Sheep” fue aclamado en el Festival Internacional de Cine de Berlín, “Daughters of the Dust” ganó un premio en Sundance y “Compensation” obtuvo una nominación al Independent Spirit – la industria dejó poco espacio por el lenguaje visual y temporal desenfrenado de estos directores pioneros.
El éxito de esta ola actual se siente diferente porque los directores AV Rockwell, Raven Jackson y Garrett Bradley han obtenido una importante inversión de los distribuidores. “A Thousand and One” de Rockwell, publicado por Focus Features, elabora una perspectiva potente de los efectos debilitantes de la gentrificación sobre los residentes negros en Harlem al incluir informes de noticias de archivo que critican el exceso de vigilancia y vistas de construcciones comerciales invasivas. “All Dirt Roads Taste of Salt” de Jackson, distribuido por A24, desdibuja el patrón de la mayoría de edad utilizando una estructura poética fluida para contar la vida de Mack, una niña negra que lucha con la pérdida, el amor y la memoria en Mississippi. Y “Time” de Bradley, de Amazon Studios, combina las cintas mini-DV de su protagonista, Fox Rich, con entrevistas actuales para demostrar el daño que durante años el encarcelamiento inhumano de su marido ha causado a su matrimonio y a sus hijos.
Estas películas ensayistas son importantes no sólo porque ven a través de una lente negra, sino también por su forma idiosincrásica y su estilo liberador. Además de estos avances, se encuentran obras de directores consagrados, como la antología “Small Axe” de Steve McQueen, “Origin” de Ava DuVernay y “Underground Railroad” de Barry Jenkins, que igualmente rompen el molde temporal y cinematográfico.
Aunque algunas de estas películas comenzaron a producirse justo antes de la pandemia, es intrigante vincular los residuos de ese evento que alteró el tiempo y el revuelo de Black Lives Matter después del asesinato de George Floyd en 2020 con esta ola de arte cinematográfico negro. Si bien el tiempo siempre ha marcado el dolor de los negros (desde la marca de tiempo en el video de Rodney King hasta los años no vividos de Trayvon Martin), los días parecieron transcurrir de manera diferente entre 2020 y 2021. La era post-racial prometida por la elección del presidente Barack Obama fracasó. Se volvió sobre sí mismo y se convirtió en una sombría realidad: si bien los rostros de la tía Jemima y el tío Ben fueron reemplazados cosméticamente, las imágenes de violencia contra los cuerpos negros dominaron las redes sociales y se arraigaron en las mentes de los negros. almas.
Pero el progreso racial no se puede medir únicamente por el paso del tiempo. Como resultado, películas como “Nickel Boys” no miran al pasado, al presente o incluso al futuro en busca de liberación. Buscan alterar formas y normas, contando sus propias historias en su propio tiempo y a su propio ritmo.
