Algo sobre “Tomando Venecia” El nuevo documental de Amei Wallach sobre la Bienal de Venecia de 1964 (en cines), parece casi ciencia ficción, o tal vez fantasía. Imaginemos que el gobierno de Estados Unidos se interesara tanto por las bellas artes que podría o no haber habido un intento de amañar un importante premio internacional para un artista estadounidense. ¡Un pintor, nada menos!
Los aficionados a la historia ya saben que durante la Guerra Fría, las agencias de inteligencia estadounidenses estuvieron muy involucradas en la literatura, la música y las bellas artes, viéndolas como una forma de exportar poder blando a todo el mundo y demostrar el dominio estadounidense sobre la Unión Soviética. “Taking Venice” cuenta una parte de esa historia: una conspiración de la que se rumorea desde hace mucho tiempo entre el Departamento de Estado y marchantes de arte para garantizar que el joven pintor Robert Rauschenberg ganara el gran premio en el evento a veces llamado las “Olimpiadas del arte” – y una “fiesta del nacionalismo”.
Entonces… ¿conspiraron? “Taking Venice” no responde exactamente a esa pregunta, aunque varias personas involucradas dan sus versiones de la historia. Pero esa pregunta está lejos de ser lo que hace que el documental sea tan interesante. Más bien, es una historia de estadounidenses que irrumpieron en lo que había sido una fiesta europea en un momento en que el optimismo estadounidense estaba en su apogeo. Artistas como Rauschenberg, Jim Dine, Frank Stella, John Chamberlain y Jasper Johns estaban realizando trabajos que explotaron ideas sobre lo que debería ser y hacer una pintura. Como señala un experto, se atrevieron a hacer arte que sugiriera que el presente era importante, no sólo el pasado.
Y contaron con el apoyo de su gobierno de maneras extrañas y complicadas. En un discurso de 1963, un mes antes de su asesinato, el presidente John F. Kennedy declarado, “No veo nada más importante para el futuro de nuestro país y nuestra civilización que el pleno reconocimiento del lugar del artista”. Por otra parte, como señalan varias personas, la libertad de expresión que se suponía que el arte estadounidense debía ilustrar en el escenario mundial (a menudo sin que los artistas fueran plenamente conscientes de la participación del gobierno) estaba sujeta a su propio tipo de censura. Entidades gubernamentales como el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes y las agencias de inteligencia decidieron a quién se le permitía representar al país y qué voces no eran bienvenidas.
Sin embargo, sigue siendo fascinante imaginar una época, no hace mucho, en la que la pintura, la escultura, el jazz, la literatura y más se consideraban claves para exportar la influencia estadounidense a todo el mundo. Es una actitud cultural que ha cambiado enormemente en los años transcurridos desde entonces, al menos en una escala más amplia, lejos de ver el arte como la encarnación de las esperanzas y los sueños de una cultura y hacia algo más burdo.
Pero con edición de este año de la Bienal en curso, la cuestión de qué significa ser un artista estadounidense (o un artista de cualquier país) todavía vale la pena. lucha con, y algo que “Taking Venice” también explora. “El arte no es sólo arte”, dice al comienzo de la película Christine Macel, curadora de la Bienal de 2017. “Se trata de poder y política. Cuando tienes el poder, lo demuestras a través del arte”.
Reseña adicional: 'Film Geek'
Richard Shepard, director de las comedias negras “Dom Hemingway” y “The Matador”, es un cinéfilo de toda la vida con un apetito voraz por el cine. “Familia del cine” (en cines), un videoensayo de largometraje compuesto principalmente por imágenes de películas que vio mientras crecía en la década de 1970 en la ciudad de Nueva York, profundiza en su obsesión. En voz off, cuenta su infancia, cuando era “adicto a las películas, a verlas, a hacerlas”. Está entusiasmado y la película aspira a hacer contagioso ese entusiasmo. Aprecio el afecto de Shepard: también crecí amando las películas, y encontré identificables sus melancólicos recuerdos de su asombro por “Tiburón” y “Star Wars”. Pero el nivel de autoestima de Shepard puede resultar embrutecedor. Durante minutos, simplemente recita los títulos de varias películas que vio cuando era niño. “Film Geek” ha sido comparado con el gran documental de Thom Andersen de 2003, “Los Angeles Plays Itself”, y en el nivel de montaje, comparten un parecido superficial: ambos son enérgicos y están bien editados. Pero “Los Angeles Plays Itself” es también una obra de crítica cinematográfica reflexiva e incisiva, mientras que Shepard describe las películas mediante clichés. – CALUM MARSH
